Filippo Primo
Quando si ha la fortuna di vedere da piccolissimo tutte le classiche slapstick di Chaplin e di trovarsi a 7 anni davanti alla tv mentre tutta la famiglia segue la serie “Alfred Hitchcock presenta”, il “demone” del cinema inizia ad impossessarsi di te anche se non riesci a rendertene conto. Fu così che in quel di Lanusei maturai la mia passione che poi esplose totalmente quando in prima liceo classico vidi “Il fantasma della Libertà di Luis Buñuel” il regista a cui devo l’illuminazione per quanto riguarda le potenzialità del cinema e che in tempi più recenti si è “incrociato“ con Quentin Tarantino, il regista a cui devo invece una consapevolezza matura dell’importanza di una sceneggiatura e il non dovermi vergognare di tutti quei film di serie B di genere horror e fantascientifico di cui mi sono nutrito nei primi anni 80!Dal cinema è derivata anche la mia passione per la scrittura che mi ha fatto partecipare a qualche concorso per piccoli racconti dandomi almeno la soddisfazione di ricevere i complimenti dalla Bonelli che vedeva il mio racconto molto vicino a Dino Buzzati.
Al cinema si è poi accompagnata la musica, sia sentita che suonata, contribuendo a rifocillare la mia formazione culturale extrascolastica insieme ad una breve, ma mai sopita, passione per l’arte pittorica: De Chirico e Dalì su tutti.
Tutto questo fino ad oggi con un piccolo corto di carattere sociale trasmesso sulle reti Mediaset, un altro modesto corto che mi ha dato la soddisfazione di un secondo posto e una “vittoria” su Cinemecum. Ma soprattutto una tesi in Storia e Critica del cinema - nella fattispecie su un “signore di Calanda”-, ancora da concludere (purtroppo la vita concreta ti pone davanti altre primarie necessità!) e una nuova attività nel campo della ricezione nella quale non ho potuto fare a meno di “impiantare“ un po’ di cinema. Per il resto pochissima tv e tanti film collezionati sia in Dvd che Vhs: ormai ho perso il conto dopo aver superato i 4.000 titoli!
La prima generazione dei registi cinefili (Lucas, Dante, Landis, Carpenter, Coppola) tra la fine dei ’70 e per tutto il decennio degli ’80 faceva un cinema che era spesso un omaggio e citazione dei film con cui era cresciuta o che magari aveva studiato. Con gli anni ’90 un topo di videoteca come Quentin Tarantino ha portato all’ennesima potenza questo dato autoriflessivo. 
3.10 kg!!! Il mio compagno di stanza, Pietro, pesava 4.200 Kg ma il mio papà dice che sono più bello io. Eh si, il mio papà, la mia mamma, per nove mesi li ho studiati per bene. Ricordo ancora quando sentivo la voce del papà che accusava perdite di equilibrio e la mamma gli diceva che quella incinta era lei.
Arriva l’estate, le sale cinematografiche si svuotano ma la Tv, libera dalla spada di Damocle dello share, ci propone spesso e sovente dei bei film “datati”, visti, rivisti ma che superano in qualità fiction, spettacoli dove il silicone sborda oltre lo schermo e talk show ammorbanti. 
Influenzati dall’espressionismo tedesco, dal realismo poetico francese e dai romanzi hard- boiled americani (la letteratura poliziesca i cui protagonisti sono dei detective cinici e risoluti), i registi noir dal periodo classico – che convenzionalmente inizia nel 1941, anno di uscita de “Il mistero del falco” (John Huston) interpretato da Humphrey Bogart - danno vita ad un mondo alla deriva nel difficile momento a cavallo della seconda guerra mondiale.
Il cinema fantastico rappresenta una delle due strade opposte in cui si è indirizzato, fin dai suoi albori, il cinematografo. Per la precisione, la strada tracciata da Méliès che con i suoi trucchi e le sue illusioni sperimentò le potenzialità del “nuovo mezzo” per creare situazioni fiabesche, irreali o comunque sempre a cavallo tra realtà e immaginazione.
“L’isola”, nel cinema, è stato sempre un luogo che ha ispirato tanti registi. Il suo essere “luogo separato” dal resto del mondo, chiuso e spesso incontaminato, ha permesso che la fantasia di tanti cineasti, a volte ispirati da illustri scrittori, si scatenasse, creando dei luoghi dove, di volta in volta, a farla da padrone fosse il mistero, la passione, l’avventura o l’orrore.
Norman Bates (“Psycho”), Michael Myers (“Halloween”), Jason Voorhees (“Venerdi 13"), Freddy Krueger (“Nightmare”), Hannibal Lecter (“Il silenzio degli innocenti”), John Doe (“Seven”), Henry Lee Lucas (“Henry pioggia di sangue”), George Harvey (“Amabili resti”) sono tutti i figli del primo, indimenticabile serial killer che la storia del cinema ricordi: Hans Beckert ovvero il "Mostro di Düsseldorf " ritratto con assoluta maestria dal regista austriaco Fritz Lang nel fllm-capolavoro “M, il mostro di Düsseldorf” (M - Eine Stadt sucht einen Mörder; 1931). 
Il tanto parlare di "Avatar" e del suo regista James Cameron mi ha fatto ricordare che questo profondo conoscitore della tecnica cinematografica, oltre ad aver stregato il pubblico di tutto il mondo con il pluripremiato “Titanic” – “il nuovo Via col Vento”- e averci affascinato con i suoi “Terminator”e “Aliens”, nel 1995 ha prodotto e sceneggiato un film girato dalla sua ex moglie Kathryn Bigelow (la “più maschile “ fra le registe) che ha come titolo “Strange days”. 
E’ da tempo che andavo rincorrendo l’idea di un omaggio al nostro più prolifico artigiano della celluloide: Aristide Massaccesi in arte Joe D’Amato (1936-1999). Non sono un suo estimatore tout court, anche perché Massacesi nella sua carriera (200 film come regista e altrettanti come direttore della fotografia, produttore, montatore e sceneggiatore), pellicole brutte ne ha girato e di questo credo, anzi ne sono sicuro, fosse pienamente cosciente (quando parlava di alcune sue opere diceva “filmetti”).
Anche i grandi hanno iniziato con i corti! Hitchcock girò 9 corti muti; De Palma, realizzò dei film con una 16mm di seconda mano; Lucas nel '67 realizzò "THX-1138:4eb" girato 16 mm e che in seguito sarebbe diventato il suo primo lungometraggio “L’uomo che fuggì dal futuro”; Buñuel nel ’29 dirigerà con l’amico Dalì "Un chien andalou" vero manifesto del cinema surrealista. 
Il traumatico ritorno dalle vacanze deve essere addolcito in qualche modo ed è per questo che la rubrica "Review", questa settimana, si mette il naso rosso da clown (ogni tanto, nella vita è bene farlo!) e riparte con leggerezza andando a rivisitare un film del “nostro” più grande clown: il principe Antonio De Curtis, erede degli imperatori di Bisanzio, in arte Totò.
“Ogni riferimento a fatti e persone è puramente casuale”?!?
La fine della guerra, la morte di Hitler e il conseguente crollo del Terzo Reich, dà inizio – con i processi e l’apertura dei campi di concentramento- alla piena conoscenza dell’inferno e degli abomini del Nazismo.
A memoria di cinefilo tutto può essere iniziato con “Two Thousand Maniacs!” (1964) in cui dei giovani turisti trascorrono un week-end in una cittadina del sud degli Stati Uniti e cadono vittime della violenza e del sadismo degli abitanti del posto.
Questa settimana si conclude una sorta di trilogia sui generis che ho voluto dedicare al noir e al thriller d’altri tempi. Dopo “Angoscia”, thriller drammatico in stile “londinese-hitchcockiano” e dopo “L’infernale Quinlan”, summa dei canoni del noir classico, questa settimana ci accingiamo a rivedere “Rapina a mano armata” (The Killing) un film di Stanley Kubrick del 1955, che ci permetterà inoltre di paralare di “linguaggi cinematografici”.
L’entusiasmo ipertrofico di Tarantino torna al Festival di Cannes con il nuovo film “Inglourious Basterds” (errore ortografico voluto dal regista!) che da noi sarà distribuito con il titolo “Bastardi senza gloria”. Come quasi tutti sapranno, per il film in questione, Mr. Tarantino si è -molto- liberamente ispirato a ”Quel maledetto treno blindato” del 1977, uscito in terra straniera proprio con il titolo “Inglorious bastards”.
Il cinema d’autore abbonda di riferimenti alle dinamiche perverse e soprattutto alle perversioni sessuali che si vengono a creare all’interno del rapporto di coppia, alla fragilità del legame, alla ricerca del piacere; tutti temi che spesso s’incontrano e sfociano nell’altro -ancora più antico- tema “amore/morte” o, se si preferisce, Eros/Thanathos.
In una rubrica come questa in cui la nostalgia è l’humus ispiratore, era un obbligo morale dedicare una review alla “trilogia del dollaro” del grande artigiano (barocco) del cinema nostrano: Sergio Leone. Gli anni ’60 - con l’ondata di rinnovamento dei nuovi autori del cinema americano ed europeo- segnano una battuta d’arresto per il western “classico”.
Un ottimo libro, un bellissimo film e una colonna sonora musicalmente perfetta. Grazie al racconto dello scrittore Giuseppe Culicchia sono stati toccati tre campi dell’arte in maniera eccelsa. Nel ’94 esce il libro “Tutti giù per terra” e due anni dopo il regista Davide Ferrario porta sugli schermi l’omonimo film, uno dei più originali che ha descritto, fuori dagli scontati e facili sociologismi, la generazione - quella più sensibile- degli anni 90.
In principio era “Ringu” –“The ring” per noi occidentali- di Hideo Nakata, tratto da un romanzo horror di Koji Suzuki (definito lo Stephen King giapponese). Da allora, 1998, è stato tutto una moda, un fiorire di remake, a volte pessimi, ma soprattutto una colonizzazione al contrario che ribalta la classica direttrice da occidente verso oriente. 
La storia del cinema è disseminata di grandi invenzioni anche dal punto di vista tecnico. Ancora oggi è in corso la grande rivoluzione del passaggio dall’analogico al digitale ma andando indietro nel tempo assistiamo ad altre due grandi rivoluzioni: l’avvento del sonoro che ha avuto delle ripercussioni non solo nell’estetica dei film, ma prima di tutto nelle tecniche produttive e negli assetti economici dell’industria cinematografica e infine l’introduzione del colore, anch’essa una svolta epocale.
Dieci giorni fa è morto all’età di 78 anni, lo scrittore inglese J. G. Ballard. Considerato uno dei padri del cyberpunk, è stato il profeta del vuoto della contemporaneità attraverso i suoi romanzi di stampo fantascientifico e surrealista. Ma il fulcro delle sue opere non è tanto il futuro in sé ma la rappresentazione della psicologia del futuro.
Ciò che più apprezzo in un regista è la sua voglia di sperimentare ed osare mettendosi in discussione. Se poi tutto questo avviene all’interno del cinema italiano, la mia stima cresce ulteriormente. Gabriele Salvatores avrebbe potuto rimanere adagiato sugli allori dopo il premio Oscar per "Mediterraneo", campando di rendita rifacendo sempre il medesimo film; invece, come i grandi artisti, riesce a captare lo spirito del tempo e coglie l’impossibilità di continuare a rappresentarlo con il linguaggio della tradizione per risvegliare il pigro pubblico nazionale. Anche a questo serve il cinema: segnalare una crisi latente!
Più volte in questa rubrica si è affrontato il tema dell’ambivalenza, del “doppio” e delle varie sfaccettature dell’essere umano che non è del tutto buono o del tutto cattivo e che da vittima può diventare a sua volta carnefice. Come diceva Eraclito ogni cosa è ciò che è proprio perché altre cose ne delimitano l'essenza: se non ci fosse la notte, non potremmo sapere cosa è il giorno.
Mai come oggi, forse per l'effetto della crisi economica che ci spinge a vagare con la fantasia in storie lontane dalla realtà, il cinema fantastico è diventato un genere diffuso ma, ahimè, anche una sorta di bancomat per "Warner Bros" e affini.
She's got Bette Davis eyes… recitava così una canzone resa celebre negli anni ’80 da Kim Karnes e chi ha avuto la fortuna di vedere questa pellicola sicuramente non dimenticherà più gli occhi di Bette Davis incastonati in un volto truccato pesantemente fino a sembrare una grottesca maschera. 
Un mixaggio perfetto reintitolerebbe questo film “Rebecca, la donna che visse due volte” e io ci aggiungerei un sottotitolo: “Niente è ciò che sembra”. Guardare questo capolavoro è un po’ come un giro sulle montagne russe: si inizia con un stato d’animo sereno e rilassato, si continua a salire in un crescendo di tensione e poi all’improvviso si precipita e la tensione sale alle stelle facendoci perdere ogni convinzione; quando scendiamo siamo ancora confusi ma felici di avere fatto l’esperienza.
Da un po’ di tempo ad Hollywood si raccontano le storie di grandi personaggi, sportivi, musicisti, politici e solo Tim Burton poteva scegliere di dirigere un film sul "peggior regista di tutti i tempi" rendendolo poetico e così perfetto! Una sfida sentita sicuramente anche dal regista perché rendere omaggio ad un vero fallito non deve essere stato facile, ma se si guarda meglio gran parte della filmografia di Tim Burton ("Edward mani di forbice", "Vincent", "La sposa cadavere", "Big Fish - Le storie di una vita incredibile", "Batman"), non si può non notare quanto Burton sia affezionato alle diversità, alle “mancanze”, agli animi inquieti e tristi di questo mondo.
Il primo intervento che feci in questo sito fu con una citazione di Luis Buñuel «invece di cercare di spiegarle, bisognerebbe accettare le immagini come si presentano. Dovremmo accontentarci di sapere se ci ripugnano, se ci emozionano, o ci attirano».